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标题: [乐理知识][文章]摇滚乐各类形式的一些概念 [打印本页]

作者: xin0123 时间: 2007-2-8 10:29 标题: [乐理知识][文章]摇滚乐各类形式的一些概念

什么是哥特文化
对于哥特文化是很难下一个明确定义的。这是因为在不同的社会文化群体中“Gothic”一词有着不同的内涵和不确定性。哥特一词最早源于日尔曼人的一个分支西哥特人(四世纪后入侵罗马帝国并在法国和西班牙建立王国)，后来被用来定义那些未开化的野蛮人。最早使用“哥特”这个术语的是英国广播电台节目主持人Anthony H. Wilson ，他同时也是Joy Division 的经纪人，他曾经宣布Joy Division 乐队将作为一支哥特式的乐队而有别于其他主流音乐流行乐队。

哥特文化作为一场现代文化运动，开始于七十年代末期PUNK摇滚的音乐浪潮，当后者渐渐退去的时候，哥特文化作为一种边缘的亚文化幸存了下来。哥特文化是一种独特的中世纪复古风格的音乐、艺术和文学的文化范畴，在音乐上它承袭了七十年代欧美PUNK摇滚音乐的音乐风格，在艺术上表现为一种对十二到十六世纪西欧的哥特式建筑风格的强烈复古倾向，在文学上演变为那种隐郁和怪诞的神秘黑暗文学。哥特文化实际上倾向于那种非暴力的、和平主义的、被动的、宽忍的生活态度。但在许多媒体中却将它错误地理解为那种极端暴力的，仇视少数民族的和白人至上主义的边缘文化。哥特文化总是表现出一种孤僻疏离的，阴沉的精神气质，它总是去探讨那些引人深思的社会问题，种族歧视、战争、以及仇恨。精神上对死亡的迷恋，驱使哥特文化不停地试图去找寻对生活、痛苦和死亡的另外一种思考。

如何识别一支歌特乐队？

1、此乐队的音乐气氛怪诞且超现实。
2、此乐队的歌词包含歌特主题。
3、乐队成员的外表十分歌特化，一水儿黑。
4、乐队自称歌特乐队，和其他歌特乐队一起演出，并出现在歌特合辑当中。
5、来自于四大歌特唱片公司Cleopatra、Projekt、Tess、Anubis的乐队。

如何识别一个歌特族？

性格：害羞且不爱交际。
艺术倾向：艺术，特别是音乐、摄影和绘画。人文，特别是文学、历史和哲学。
着装：永远的黑色或暗色衣服。显眼的宗教饰物，但却几乎天天改变信仰，永远不戴金首饰。

什么是歌特风格？

音乐上：darkwave、gotht-echno、dark-alternative、ambiente之类的名词都是“歌特风格”。
再具体形容：黑暗的恐惧、死亡的悲伤、禁忌的爱、彻底的痛苦带来的美感，简而言之，人类精神世界中的黑暗面。

吸血鬼文化? 恶魔主义?邪教?

歌特不是宗教、不是政治、与种族、性别也无关。大多数歌特乐队都是非宗教的甚至是积极的反宗教乐队。那些吸血鬼、天主教、古埃及和异教的视觉信号只是在传达“黑暗的力量”，以联系至歌特音乐的感觉。
歌特族们与其他同年龄的社会团体一样同样存在社会倾向，你会发现歌特族中最大的倾向实际上是对政治的极度冷漠，因为几乎所有党派的观点听起来都是一样的，而且毫无用处。

歌特存在的理由

很多人被一种毫无快乐和成就感的生活所主宰，这很不幸。但是歌特使这种消沉的感觉成为了生活方式的一种，换句话说：痛苦就是我的生活选择——这是一种艺术。
歌特同时也许还是一种精神疗法。如果你对一个属于主流社会的白领仔细谈起你上次自杀未遂的经过，那么他可能会带着一种奇异的眼光躲你躲得远远的，在阳光灿烂的日子里你或许还可以得到廉价的同伴永远不会为你感到难过，你手腕上的伤痕会得到认真的尊重，“你很酷”! 所有感到与社会格格不入的人都会在歌特族中找到自己的位置，因为这里的每一个人都是独一无二的。

什么是歌特时尚？

任何黑色的东西，或其它暗色，如海军蓝、深红。可以透(薄尼龙或渔网状面料)，但不露。银饰。苍白的皮肤。这可能是因为他们需要一种活死人的外表，也可能是因为想体现维多利亚时代关于“苍白的皮肤是贵族的标志”这一审美，也可能是反对沙滩文化里“太阳晒出的古铜色才是美的”健康理论。
黑发、漂白过的极浅的金发、红发或紫发。黑白化妆。白色粉底。黑唇膏，黑眼影，细眉。
自我束缚的装饰和恋物癖的服装。皮革、PVC、橡胶、乳胶都是必不可少的面料。中世纪的束腰也极为常见。宽领带或逞钉子的项圈或紧紧系在脖子上的丝绒绳。
T形十字章(古埃及关于永恒生命的标志)。五角星。这是异教徒关于火、土地、空气、水、灵魂的符号。十字架(基督教的象征)。
歌剧风格的披肩、斗篷和长手套。歌特族们一般不会像朋克们那么极端，他们会讲些品位。

作者: xin0123 时间: 2007-2-8 10:31

死亡金属的形成

本文开始之前我们先来看一下死亡金属这种音乐的表征：

　　1.这些乐队的演奏极其朴实，不象普通重金属乐队，在乐器上加许多效果器，或是用点弦、大小泛音等花哨指法。然而他们的音乐一听就是“金属”味，噪而重，从乐器到主唱的噪音都有噪音成分，而且配合巧妙，有种出人意料的效果，并将“金属乐”这个概念表达得淋漓尽致。

　　2.这些乐队很突出的一点就是鼓的节奏异常惊人，他们采用双面双槌脚鼓，双脚轮踩，其速度之快难以言表。第二是铙（CYMBOL）的运用，比一般的乐队快而频繁的多，声音刺耳。第三是鼓的运用似乎代替了普通金属中的吉他独奏，占比重很大。

　　3.主唱的噪音基本上用“吼”（低）和“嚎”（高）两种，而且大部分主唱用真嗓，而非靠麦克风或录音技术做出来的。

　　4.反宗教意识非常明显，从乐队名到歌名，大量涉及宗教名词，晦涩难懂。内容多涉及死亡、虐待、精神错乱、人格分裂、道德危机等等。总体上反映人类社会的阴暗面，所以这种音乐本身也显得黑暗、丑陋，就象死尸散发着恶臭一样。
　　5.封面设计充满血淋淋的人体残片，或是人的肌肉神经解剖图，或是被钉在十字架上的死人，或是恐怖电影中的恶魔形象，一看就让人不自在。

　　6.每个专辑都象流水一样，没有任何停顿喘气的机会，鼓手自始至终快速击打，贝司和吉他发出巨大刺耳的爆炸声，主唱的高低兽吼都让人感到无法忍受，这是对人类听觉系统的巨大考验（摧残），当你摘下耳机时，会有一种如释重负的轻松感。

　　7.没有性和毒品的成分。

　　“死亡金属”是一代人忧虑怒吼，表明了青少年们有些不对劲。不管你父母怎么讨厌它，这是进入金属暴力世界的最后一班火车。METALLICA乐队同死亡金属乐队相比，他们只是大型现场演出的上帝和流行歌星；SLAYER遇上比他更具虐待狂性质的同名乐队更算不上什么...当你听过死亡金属之后，你回感到世界上所有其他的音乐都是轻音乐。
　　
　　六、七年前，重金属的商业化似乎注定要成为一种无思想、无方向的音乐，但是最近这几年，一些受朋克影响、突破速度极限的乐队（如METALLICA），成功地将说唱、疯克的重金属熔于一炉的 Faith No More 以及善于制造混乱的一群无赖 GUNS &ROSES 的出现成了摇滚舞台上的一种新实验。但是，Grindcore的出现改变了过去“死亡金属”的界限。朋克音乐、核心音乐和“激流金属”是通向“死亡金属”天国的路标。“死亡金属”是一种极端得无法让人严肃对待的音乐。这是一种贱民演奏给贱民听的贱民音乐。它不仅用噪音、先锋古典音乐、爵士乐和噪音拼命地刮你已起茧的鼓膜，还用放大器把它们放大，用一种绞肉机般的力量怒吼出来。极端的时代导致极端的力量，它把侵略和精神错乱的概念用阴森的曲调吼出来，这是里根/布什时代“无望政策”的音轨和基督徒前千福年的幻觉。

　　这是一种在音乐途径上对敌意和觉悟充满阴影的追寻轨迹。“忧郁心境”（BLUE CHEER）、“黑色安息日”、“雷蒙斯”、“性手枪”、“摩托迷”（MOTORHEAD）和“黑旗”（BLACK FLAG）均为其向导。

　　1这场革命最早是由一些先锋而又有暴力倾向的乐队开始的。“毒汁”乐队---英国“新浪潮重金属”的旁系私生子。在1981年的“欢迎下地狱”（WELCOME TO HELL）和1982年的《黑色金属》（BLACK Metal）专辑中，建立起这种极端不协调的噪音、龌龊、陈腐的金属和声和充满火药味的陈词滥调。就如“黑色金属”（BLACK Metal）唱的那样：“我们畅饮圣徒的呕吐物，与垂死的**寻欢，我们吸吮野兽的血，拥有地狱之门的钥匙。”“没有任何原因，这就是为什么‘毒汁’要组建。”康拉德.兰特（CONRAD LANT）这位曾经是“毒汁”的贝司手兼主唱现已组建自己的“克洛诺斯神”（CRONOS）的乐手如是说：“我年轻时是个朋克，专听‘性手枪’、GBH和沙姆69（SHAME 69），那是我生命中最暴力的时期，剃光头，吸毒什么都干。当英国重金属的新浪潮开始时，我开始蓄发，但一段时期后，我发现这完全是一堆垃圾，我指的是‘铁女’（IRON MAIDEN）、‘撒克逊人’（SAXON）、‘萨普森’（SAMPSON）等乐队。我觉得该剃掉头发，重新变成朋克。‘毒汁’想做的就是让朋克重新回到乐坛，所以我们把极端的音乐、所有的陈词滥调、大型演唱会、皮夹克等等仍进了一个大熔炉，滴出来的就是‘毒汁’”。

　　这种强烈的嗜血欲启发了瑞士噪音噩梦者“地狱之锤”（HELLHEMMER）乐队的领队汤姆.G.沃里奥尔（TOM G.WARRIOR）（当时被人称为恶魔屠夫）组建了“冷酷的凯尔特人”（CELTIC FROST），该乐队1985年的《TO MEGA-THERION》可能是最早的先锋金属专辑，其中运用了大量急速刺耳的伸缩喇叭奏出的邪恶的金属和声。让我们看看“毒汁”都浸透到了什么地方：在德国，有“摧毁”（DESTRUCTION）、“铁天使”（IRON ANGEL）、“所多玛城”（SODOM：因邪恶而被上帝毁去的城市）和“创造者”（KREATOR）；在洛杉矶有早期的“金属”、Megadeath、“黑暗天使”（DARK ANGEL）和“杀手”；在巴西有以速度著称的“埋葬”（Sepultura)；在芝加哥有“主人”（MASTER）；在魁北克的Voivod乐队创造出一种近似荒芜星球的声响；在旧金山海湾地区有“出走”（EXODUS）和“着魔”（POSSESSED）。每一种新嗓音，就音乐而言，都比他的前任更显极端---从POWER METAL到THRASH METAL到BLACK METAL到DEATH METAL。

　　离伯明翰两个小时路程的诺丁汉，是GRINDCORE的摇篮，“耳痛”唱片公司---懦霾?劳鼋鹗舻某???揪蜕柙谡饫铩８霉?居涤写蟛糠钟杏跋斓募?酥饕逭撸?绶鹇蘩锎锏摹八劳銎?偷?保∟APALM DEATH）、“恐怖天使”（MORBID ANGEL）、利物浦的“尸体”（CARCASS）、瑞典的“埋葬”（ENTOMBER）、考文垂的“黑色安息日”的效仿者“大教堂”（CATHEDRAL）、工业噪音式的死亡金属“上帝之躯”（GODFLESH）和无数冠以GRINDCORE名称的乐队。“耳痛”唱片公司的老板迪各比.皮尔森及其属下乐队成功地制作和发行了给主流摇滚“极大震惊”的过于野蛮的音乐。如“恐怖天使”1989年的《疯狂祭坛》（ALTARS OF MADNESS）、“尸体”乐队1991年的《NECROTISM??DESCANTING THE INSALUBRIOUS》、“埋葬”的《暗中的恐惧》（CLANDESTINE）、“大教堂”的《GOD OF GRIND EP》、“上帝之躯”的《街头清除不良分子》（STREET--CLEANER）等等，无疑是该公司极端经典之作，“死亡歌迷”必宠之物。其公司的名字用意很明显，GRINDCORE十足的耳痛音乐，如果你觉得这种音乐吵的话，那只能说明你太老了。当这种让人感觉自己年轻的音乐引起越来越多的人狂热喜欢时，这表明许多乐迷对一天24小时，一周7天不停播放的标准摇滚乐，如AC/DC、“枪炮与玫瑰”最新的作品已感到厌倦，他们希望听到更符合他们想法和感觉的音乐，GRINDCORE无疑是最好的选择。

　　对GRINDCORE这一名称的命名并加以系统阐述的是“死亡汽油弹”的最初成员沙恩.安伯里（SHANE EMBURY）。“GRINDCORE现在已被承认是‘急流金属’的延伸，与此同时，我也一直认为这种音乐会变得流行起来，会影响到许多人，而且他对我来说是种离奇的美。就在这种声响开始起，我们就完全进入了来自波士顿的“冷酷的凯尔特人”、“围攻”（SIEGE）等核心乐队、一些核心和‘死亡金属’乐队和一些象早期‘天鹅’（SWAN）这样的工业噪音乐队，所以，我们可以给这些事编一个大网，至少每小时可以编100英里。”GRINDCORE综合了THRASH METAL、核心音乐和工业噪音的基本成分，GRIND一词来源于看乐队演出时常用的一句话：“THAT GRINDS！”（真折磨人）。除了速度因素，GRINDCORE与美国的核心乐队，如“围攻”“冲击单元”（IMPACT UNIT）或“深创”（DEEP WOUND）的音乐并无多大区别。“死亡汽油弹”从早期“死亡金属”中受到一定影响，并运用了早期纽约噪音乐队“天鹅”的一些观点，两者结合起来就是GRINDCORE，但这个词究竟如何解释，谁也说不清楚。

　　“死亡汽油弹”乐队1982年成立,是当时许多“极度”（CRASS）乐队的模仿者之一。它是反对撒切尔政府的朋克雄辩家。1986年，“死亡汽油弹”推出第一张专辑《人渣》（SCUM），是一部暴烈的二十几首由30秒一首歌组成的超音速冲击波，最典型的例子是3秒钟长的“你受罪”（YOU SUFFER！），大音量噪音??然后主唱李.多利安（LEE DORRIAN）大吼一声“YOU SUFFER！”结束。强烈的加速度金属和声，使这张专辑获得了一致的好评，并取得了十分有影响力的销量，迅速获得了“世界上演奏速度最快的乐队”的名声。“耳痛”（EARACHE）唱片公司（一个专门出版“死亡金属”唱片的公司）的领头人迪格比.皮尔森说：“这张专辑出来的绝对是时候，核心音乐依旧强大，但在这类乐队的音乐中加入了真正的开了刃的重金属乐还是第一次。其速度已完全超过了人们多能接受的程度---这就是‘死亡金属’的特质所在。他们仅仅把核心音乐和金属乐放进了一个加速器，没有人能相信它的结果会是这个样子。最基本的，一些唱片公司在“汽油弹”的最初笼罩下诞生，‘汽油弹’的成员出出进进，‘上帝之躯’、‘尸体’等都有‘汽油弹’的成员，‘汽油弹’是整个这类唱片公司的中心。”

　　对于那首3秒钟的“你受罪”，贝司手沙恩.安伯里说：“这是帮助我们面对生活方面问题的一种奇特事物。”他是在该乐队呆得时间最长的成员（1987年入队），“我不想成为早上9点上班，晚5点下班，一周工作6天的普通人，我需要发泄自己的能量，音乐能帮助我。”“死亡汽油弹”的成员不固定，现在的阵容是美国吉他手杰西.平塔多（JESSE PINTADO）、米奇.哈里斯（MITCH HARRIS）、鼓手丹尼.赫雷拉（DANNY HERRERA）、贝司手沙恩.安伯里和主唱巴内.格里格维（BARNEY GREENAWAY）。但这个阵容明天可能又是另一个样子。他们的歌比以前稍长了点（也就3、4分钟），但简洁的风格依然贯穿于各张专辑，直至其专辑《流放乌托邦》（UTOPIA BANISHED）。“死亡汽油弹”的大部分成员来自英国工业重镇伯明翰，它是英国噪音的摇篮，“黑色安息日”就是在这里的酒吧崛起。

　　与此同时，80年代初的佛罗里达那块长满棕榈树的荒凉之地。突然成为汽车代理商、快餐店、超级市场和一些有钱的白痴趋之若骛的地方。尘世与音乐密不可分，佛罗里达在这几年里爆发出比正常比例多得多的恐怖噪音,原因是佛罗里达是众所周知的老人州，是度假和有钱阔佬养老的去处，所以他们想唱唱这些行将就木的活死尸，而且炙热的天气也使音乐里充满热量。这是一种新型的中产阶级朋克摇滚，一种在核心音乐之后产生的新挑战！“朋克摇滚仍有市场。”纽约的 BRUTAL TRUTH 主唱 KEVIN SHARP 说。他是《金属狂》和《陈述》杂志的记者。“死亡金属与朋克之间有许多共同基础，许多相同的愤怒情绪。”“恐怖天使”的大卫.文森特赞同这种说法：“这是同样的挑战，只是死亡金属在音乐上更胜一筹---就象当年‘黑色安息日’一样。”

　　你无法指摘当时只有15岁，现在24岁的 CHUCK SCHULDINER ，这位无可争辩的“死亡金属”之父需要制造一点噪音，或者说原始叫喊疗法。在佛罗里达的金属乐队SAVATAGE、NASTY SAVAGEA 的影响下，舒尔迪那综合了前“死亡金属”乐队“地狱之锤”和加拿大疯狂速度金属乐队“铁砧”（ANVIL）和“兴奋者”（EXCITER）各自的特点，并渗透了一点丹麦神秘主义者“恩赐命运”（MERCYFUL FATE）乐队的反宗教意识，组建了自己的“死亡”乐队，其宗旨非常简单：“成为世界上最重最快的乐队”。早期“死亡”的示范作品“因金属而死”（DEATH FOR METAL）、“地狱死亡”（INFERNAL DEATH）和“损坏”（MUTILATION）为乐队（主要是舒尔迪那）赢得了一系列合作者。随着地下音乐唱片商和乐迷的增加，“死亡金属”渐渐成为时尚。该乐队早期专辑1986年的《血淋淋的尖刺》（SCREAM BLOODY CORE）和1987年的《麻风病》（LEPROSY）的影响是不容忽视的，它建立起黑暗吉他音调的标准。但乐队组建不久，舒尔迪那就蒙上了“简直难以共事”的恶名，这使得他失去了“死亡”乐队应得的成功。该乐队出版了一系列技术精湛的专辑，如1991年的《人类》（HUMAN）。舒尔迪那本人否认难以共事的恶名，“人们会惊奇并取笑，因为他们发现我是多么地难以置信的平常。我非常喜欢普通生活，象遛狗、做饭、看电视、郊游、划船，都是些美好的事情。从不做伤害人的事情，我喜欢动物，甚至想成为兽医，也许会弄块地，种点蔬菜什么的。”

　　死亡金属作为一种“亡命徒”式的音乐，也许很吸引人，甚至出乎意料地吸引大批听众。这样，反过来会左右唱片公司，左右死亡金属音乐的发展方向。虽说死亡金属是“亡命徒音乐”，但在90年代，一切都变得不可思议，洛杉矶90%的乐迷似乎都开始听死亡金属或其他重一点的音乐了。在这种环境下诞生了越来越多的死亡乐队。

　　从BLACK SABBATH开始死亡金属的核心内容就被定义为世界末日和魔王的降临，其最忠实的支持者及其中心人物是魔鬼撒旦，越来越多的乐队以次为题材，走上死亡的道路。佛罗里达乐队“杀神者”（DEICIDE）1992年专辑《军团》（LEGION）中的一首“超越先知”（BEHEAD OF PROPHET）用疯狂的速度表达了反宗教的愤怒，就象罗马教皇的一颗毒瘤。这是一种“恶魔主义”，也是更加邪恶的预兆。“残酷的真理”（BRUTAL TRUTH）的凯文.夏普（KEVIN SHARP）对此有理性地分析：“当然，这是一种安全的反叛方式，没有什么可怕的，撒旦不会真正实现。”总之，这确实表明一种“自我确认”合法化的意识，并非去做《魔鬼圣经》中要求做的事。而是做一些把你的灵魂从宗教权利、衰微的中产阶级阴影中拯救出来的事，“无望文化”的唯一出路就是死亡。就象一些人真的相信2000年世界毁灭的预言一样。

　　1984年由吉他手特雷.阿泽格索恩（TREY AZAGTHOTH）和理查德.布鲁内尔（RICHARD BRUNELLE）组建的“恐怖天使”不折不扣地表现出一种凶狠、残暴、野蛮的风格。“阿泽格索恩”，名字取自苏美尔人的战争之神，他以在舞台上自残出名。他经常在舞台上折磨自己并喝自己的血，他宣称自己是300年前的吸血鬼，但他又说：“当我在舞台上做一些我想做的事，并不是出于炫耀和招摇，这只是我的个性表现，如果想喝我的血，那么我就会去做，我不会觉得有什么奇怪，我不过做些很平常的事而已。”“恐怖天使”现在对乐迷来说已不陌生，《疯狂的祭坛》中的单曲“小礼拜堂里的食尸鬼”（CHAPEL OF CHURCH）中主唱戴维.文森特（DAVID VINCENT）以十足的恶魔形象吼出一句“笨蛋，上帝已经死了！”但与他谈话时，他更象是谈论一场革命而非寻找撒旦，他对记者说：“我以为人们对流行的东西已感到厌倦，就象我们看到的，在政治和教育体系中赶潮流并非最佳途径一样，唯一的出路，就是违反一点本性，有时这会讨人烦，音乐就反映了这一点。

　　阿泽格索恩和“恐怖天使”走向一个极端，但比他们更极端的是“尸体”。这支乐队由原“死亡汽油弹”吉他手比尔.斯蒂尔（BILL STEER）挑头，他们晦涩的GRINDCORE的音乐碎片与带有争议性的歌词恰当地融合在一起，“尸体”的有些作品的名称可能是摇滚史上最难以理解和让人感到不安的，如“内寄生虫的尸体孵化器”（CADAVERIC INCUBATOR OF ENDOPARASITES）、“恶性传染在下贱的大众中散布”（SWARMING VULGAR MASS OF INFECTED VIRULENCY）和“表皮脱落的腹腔发射”（EXCORIATING ABDOMINAL EMANATION ）等等，举不胜举。斯蒂尔回忆说：“当我们在1987年组建乐队时，当时的乐队都在写些争议歌词，但那仅仅是些类似恐怖电影的歌词，对我们来说，这毫无意义，它无法对观众产生冲击力。我们要向人们介绍一些现实主义的东西。很显然，也存在一些幻想因素，因为有些想法过于夸张。但同时，它的根植于现实，这就是我们为什么要使用一些医学术语。而且我们认为这是幽默的因素所在，我们不担心当时为达到某种喜剧效果而模仿我们自己。”

　　最具创新精神的是“上帝之躯”，这支乐队的头面人物是吉他手贾斯廷.布罗德里克（JUSTIN BROADRICK）（他也曾是“死亡汽油弹”和“HEAD OF DAVID”的成员“，这支乐队把令人生厌的吉他段落和奇怪的唱法以及毫无感情的机械节奏编排在一起，但却具挑战性，它的声音是GRINDCORE美学的典范。尽管这支乐队与其他乐队有着同样的背景和经常在一起巡回演出，但着并不意味着这支乐队和其他乐队一样。事实上，“上帝之躯”在“耳痛”公司常常以一种咄咄逼人的姿态与其他乐队相对立。布罗德里克说：“公司的许多乐队很极端，但很糟糕。这只是一种感觉，我们感觉我们不是那种金属乐队。‘尸体’的音乐是强大的，但缺乏真正的方向，他们唱的东西毫无实际意义，我以为我们的音乐看得很远，其他那些乐队已发展到了边缘，风格已成了局限。死亡金属代表一个时代，而且我更喜欢它的原动力，但现在却成了笑料。我不想说‘上帝之躯’实际上只做了一些极端的事情，我认为我实际上应该在GRINDCORE的声音上做出点实践。这就是为什么我认为那些乐队不能持久下去的原因。”

　　另有一些乐队比较特殊：英国的“失落的天堂“（PARADISE LOST）乐队的专辑《哥特式》（GOTHIC）已带有“仁慈姐妹”（SISTER OF MERCY）乐队的风格；新泽西的OLD[原名叫“老妇人司机（OLD LADY DRIVERS）]乐队开始接受日本“无浪潮”（NO WAVE）乐队“废墟”（RUINS）和“沉闷”（BOREDOMS）的影响。

　　无数其他乐队偏向工业噪音乐队“上帝之躯”和“内阁”（MINISTRY），甚至连一向以死亡节奏著称的“生死簿”（OBITUARY）乐队都感到有发展的必要。特雷弗.佩尔斯（TREVOR PERES），这位世界上唯一穿“柠檬头”（LEMONHEAD，一支新出名的POST-MORDERN）T恤的死亡金属吉他手认为：“我们需要一些新的想法，象‘我血淋淋的情人节’（MY BLOOD VALENTINE）乐队所做的，很重，很野蛮。”巴西的超级死亡金属乐队“埋葬”（SEPULTURA）已与EPIC唱片公司签约，似乎准备打入主流市场。

　　萨克斯手约翰.佐恩（JOHN ZORN）是一位很可靠的指示者，他与赤裸城市（NAKED CITY）、“止痛片”（PAINKILLER）等乐队合作的作品被“材料”（MATERIAL）、“上帝之躯”和“死亡汽油弹”的成员所称赞。佐恩已承认日本核心乐队S.O.B对他有一定影响。他还特地去日本待了一段时间，与UFO（UNITED FUTURE ORGNIZATION）乐队，“死”（DIE）乐队的歌手YAMASUKA EYE、“废墟”乐队的成员、噪音吉他手KEIJI HEINO切磋音乐。每一个与佐恩合作的人，在他看来都是一件乐器，从“超速度青年”（SONIC YOUNG）的吉他手瑟斯顿.穆尔，到“信仰破灭”的迈克.帕顿，到“残酷的真理”的凯文.夏普。夏普这样评论佐恩：“他是个疯子，他最奇妙的一点是把先锋派音乐完美地融进核心音乐和死亡金属音乐中。”

　　以后怎么样？谁也不知道。谁会在埃尔维斯摇屁股的时候想到以后会有“黑色安息日”这样的乐队出来，摧毁了整个关于节奏与布鲁斯的概念；谁又会想起“性手枪”、“黑旗”和约翰.佐恩？也许人的创造力和接受能力是无限的。让我们想想，“涅磐”已到达了4白金，“金属”乐队的唱片已超过了5白金，若在几年前，谁又会信呢？

作者: xin0123 时间: 2007-2-8 10:33

关于PUNK的必备知识

如果说朋克有什么可值得纪念的，那就是它粉碎了那个时代成名摇滚音乐家被人奉若神明的地位，并且向年轻人表明，每个人都能拾起乐器，走上舞台，发出有价值的声音……有太多无知的人在践踏着朋克，也有太多见风转舵的人混在朋克里，这些是令人悲哀的，从而又是必然的，但只要世界有不公正、黑暗、丑恶存在，朋克就一天不会停止斗争。Punx Not Dead！所以关于朋克，我想有必要做一个专题，把一些朋克资料整理在一起，系统全面的展现给你！或许你会对朋克有一个新的认识……

::::::关于朋克乐::::::

  真正的朋克音乐就是那种尚未经过唱片工业策划、包装过，由来自劳工阶层的青少年所表达的对社会不满、对现实的抗议并通过破坏、否定和毁灭一切价值观念的手段创造的一种反叛性极强的摇滚乐。\"朋克\"一词本身就很让人讨厌，朋克往往指那些无目的生活的人、污物、废物、垃圾、陈腐和一切平庸无价值的东西－－乃至**。朋克摇滚自然也不会讨人喜欢。从音乐上看，朋克摇滚混乱、无序、粗野、原始。它是冲着否定摇滚乐来的。一切摇滚的东西它都要否定、反叛在朋克摇滚乐手眼中，唱片工业就是一个大骗局。

70年代商业化音乐的泛滥（最明显的例子是迪斯科音乐兴起）使青少年对流行音乐产生厌烦情绪。他们想听的音乐听不到，不想听的音乐随处可闻；另一方面，失业和经济危机是英国70年代中后期最头疼的问题，这使大批青少年对统治阶层产生了怀疑，对摇滚乐的不满。对资本主义怀疑，使他们有可能用一种方式把不满发泄出来。

60年代的摇滚乐从某种意义上讲反商业、反资本主义、激进或纯粹为娱乐业服务都是很自然的，它反对旧的传统、旧的价值观念，并创造一种新的价值观念和生活方式。但70年代的朋克运动却只有破坏没有建设。随着朋克摇滚成了唱片公司目录单上的一个品种之后，朋克摇滚也就成了唱片商投机的目标了。其实摇滚乐就是这样，一种音乐在没有受到商业控制时是最真实最原汁原味的，一旦它变成商业润滑剂之后就沦为一处毫无特色的商品了。即使是头上长角身上长刺的朋克摇滚也是如此，短短两三年，朋克的棱角就被磨掉，朋克摇滚仅仅是摇滚乐中的一种调料了，朋克摇滚由最初的反商业、反流行的形象蜕变成一种时髦流行乐。唱片商一方面利用朋克摇滚的激进、反叛和可憎的一面来吸引青少年听众、另一方面是通过商业手段\"改造\"朋克摇滚。\"性手枪\"和\"冲撞\"是当时两支最具代表性的朋克乐队，在商业操纵面前，他们各选择了自己的命运。 \"性手枪\"在朋克发展的最高峰期解散。\"冲撞\"一直延续到80年代后半期，但他们已不是朋克了。\"朋克摇滚\" 一

::::::70 年代的朋克神话::::::

60年代末期Beatles乐队冲击美国后，美国出现了一种被称为车库乐(the Garage Music)的摇滚乐，可以认为是朋克摇滚的雏型，这其中较著名的乐队有MC5、the Stooges、Shadows Of Knight和the Velvet Underground等。这些乐队大多桀骜不驯、盛气凌人，但却很少在商业上取得成功。以MC5为例，领队John Sinclair是当时美国“白豹党”的成员，著名的《白豹党人之立场》中曾断章取义地引用毛泽东《在延安文艺座谈会上的讲话》中的文字。Sinclair曾断然宣告：“在地球之上，我们必须为人们创造出一个乐园。在那儿人人都平等而快乐，我们不达到这个目标就绝不罢休。”然而，MC5的摇滚乐只是昙花一现。他们只有一张专辑进入排行榜。与他们在全世界鼓动革命的初衷相去甚远，不久，MC5就变成了具有早期朴素重金气质的乐队。

进入70年代后，纽约出现了一个名为CBGB的音乐俱乐部，许多早期的朋克乐队都是它的成员，如the Ramones、Talking Heads、Television、the Voidoids、Blondie、the Dictators等。这个俱乐部使朋克乐开始对外界产生影响。如果这些乐队当时一直仅仅停留在酒吧中演出的话，那么他们至今仍是伟大的；但如果真是这样，朋克对这个世界就无足轻重了。

Television是CBGB的第一支乐队，由4名成员组成：吉他手兼主唱TomVerlaine、吉他手RichardLloyd、鼓手BillyFicca及贝司手RichardHell。1974年，电子音乐大师BrianEno曾为Television制作过一盘demo带，但乐队很不满意，所以最终没有录成专辑。1975年，他们推出第一首单曲“小乔尼的珠宝”(Little Johnny Jewel)，不久后乐队就加入了CBGB。1977年，Television在Malcolm McLaren的帮助上来到英国演出。Television是第一支朋克乐队，它对以后的the Sex Pistols、the Clash及那些在英国利物浦组成的乐队。如Echo and Bunnymen和 Teardrop Explodes等都有很大影响。

音乐界所承认与接受的第一张朋克专辑是1975年Patti Smith推出的《马》(Horses)。当Smith在《马》第一首歌中开口唱道：“有人害死耶稣，这不是我的错”时，摇滚乐的大门敝开了。朋克的前景果然开阔，在演唱会上的舞台上，Smith俨然是一位未卜先知的预言女神。

尽管朋克从灵歌、雷吉和别的非洲音乐中汲取了精华，但它最先是生活在郊区的白人青年唱的歌，是最白人化的摇滚乐，朋克对历史的敏感程度超过了以前任何一种音乐，它注定不会只停留在地下，而是会征服整个世界。

英国朋克的出现意味着朋克大震荡的年代终于来临。70年代的英国摇滚走上了哗众取宠的道路。the DoobieBrother的歌使英国年轻人感到厌倦。而曲高和寡的Pink Floyd和Queen更使他们想找回60年代的感觉。70年代后半期是英国的绝望年月。1977年，英国18岁男青年的失业率达28.6%，女青年达29.6%，通货膨胀率高达10%以上。罢工浪潮席卷全国，绝望的工人子弟和移民后代因处境最为艰难，与警察陷入了内战似的争斗对抗之中。在这种情况下，朋克这头长角的怪兽终于在英国诞生，对着这个世界发出了第一声咆哮。

提到英国朋克，就不能不谈到有“英国朋克之父”之称的Malcolm McLaren。在1974年，伦敦的切西区成立了一家专卖50年代服装的名为“摇起来”的商店，店主就是Malcolm McLaren。同年，美国前朋克乐队the NewYork Dolls来到英国却未造成我大影响。McLaren却对他们一见钟情，并在自荐成为其经纪人后随同他们飞去了纽约。在the New York Dolls于1975年夭亡之后，McLaren回到伦敦，将商店更名为“性”，与著名前卫服装设计师Vivienne Westwood携手，请她专门设计各式朋克服装的时候，一时生意火爆之极。于是他干脆出头挑选了几位“朋克”哥们，组成了后来天下驰名的the Sex Pistols乐队。他挑出的主唱是John Lydon。原因是这位年轻人最爱到店里溜达，常常发出像弱智儿一样的尖叫，并喜欢惹事生非。The Sex Pistols的另3名成员分别是Glen Matlock、Paul Cook和Steve Jones。

1975年11月6日，英国伦敦圣马丁艺术学校外，聚集了一群装扮奇特的年轻人，他们穿着早已过时的破烂不堪的衣服；两边头发剃光，中间的头发染成五颜六色，像鸡冠一样竖起；脸上涂满各种油彩；脖子上挂着粗铁链。原来，the Sex Pistols乐队正在这里举行首场演唱会，这些“朋克”装扮的青年是专程赶来观看的。但连艺校的教师们也感到惊奇的是the Sex Pistols根本不像是在唱歌，倒像是野兽在咆哮，因为满口坏牙而被称为“坏牙Johnny”的Lydon在台上傲慢而狂妄地咒骂一气并乱吐唾沫，还胡乱拿起东西在脸上刮来刮去，甚至冲着观众大叫“我恨你”，艺校的一位交际秘书忍无可忍，在他们唱到第5首歌时拉下了电闸。

1976年9月21日，the Sex Pistols与the Clash等乐队一同在伦敦牛津街的“100俱乐部”举行第一个朋克音乐节。一时间，数百朋克青年在演唱会之前便堵塞了那条有名的商业街，他们色彩纷呈，争奇斗艳的化装、发型和全身披挂的破布、内衣、链条、刀片、狗项圈之类饰物让路人目瞪口呆，而他们正是利用这种难得的露脸机会达到了激怒社会的效果，这次音乐节过后，the Sex Pistols也被报界称为“有史以来最粗鄙和毫无音乐性可言”的乐队。

1976年，The Sex Pistols发行了第1张单曲“英国无政府主义”(Anarchy In The U.K.)。1977年5月27日，乐队推出第1张，也是唯一的一张录音室专辑《Never Mind The Bollock，Here\'\'s Sex Pistols》(专辑名来源于McLaren在纽约街头看见的一件亮黄色T恤上的一行字。)同年又推出单曲“神佑女王”(God Save The Queen)。专辑的封套上，英国女王的双眼和嘴分别被“God Save The Queen”和“Sex Pistols”字条封住。Lydon在歌中肆无忌惮地诅骂：“神佑女王/你们也没有未来。”具有讽刺意义的是，当英国举国上下庆祝伊丽莎白二世女王登基25周年之时，the Sex Pistols的这张专辑竟然也同时在BBC电台上升到了冠军，与喜庆的气氛大唱对台戏。这后乐队便被赶出了英国，但这支在英国红极一时的乐队没有受到美国人的欢迎，心灰意冷的Lydon及时地解散了the Sex Pistols，为这支朋克乐队留下了一个好名声。

另外一支在英国朋克乐坛占有重要地位的乐队是the Clash乐队，该乐队的风格直接受到Patti Smith、the NewYork Dolls、the Stooges、MC5和the Ramones的影响。乐队组建于1976年，由Mick Jones任吉他手，Joe Strummer任主唱，Paul Simonon任贝司手。Topper Headon任鼓手。刚组队时，他们每周都在英国著名音乐周报《Melody Maker》上登一则广告，希望有更多的朋克音乐迷与他们联系。乐队的经纪人是McLaren的密友Bernnie Rhodes。

起先，乐队与Guy Stevens一起做了一些小样带，但一直没有推出。1976年年中，他们与CBS唱片公司签订了10万英镑的合同，录制并推出第一张专辑《Clash》。此时，牙买加的雷吉乐进入英国歌坛。Led Zeppelin、Eric Clapton、Steve Wonder、the Eagles、Police等歌手与乐队纷起仿效，the Clash也不例外。后来，the Clash成为第一支到牙买加演出的朋克乐队。由于他们装扮奇特，当地人戏称他们为“火星人”。1978年，乐队推出专辑《给他们足够的绳子》(Give\'\' Em Enough Rope)，由美国人监制，在美国出版，70年代末，他们又推出专辑《伦敦在召唤》(London Calling)，并获得了成功。

但到了1980年，新浪潮音乐忽然席卷了从欧洲到太平洋沿岸的所有大城市。为保住自己并获取商业上的成功，Blondie、Talking Heads、the Pretenders、Patti Smith等乐队和the Clash等都纷纷登上电台，并售出大量唱片。然后，最奇怪的事发生了，这些乐队中的大部分在短时间内突然纷纷宣告解散。

70年代的朋克是一幕神话剧，虽然昙花一现，但却灿烂夺目，其实任何一种摇滚乐都是这样，在没有受到商业腐蚀之前，它是原汁原味的，一旦成为商业与唱片工业的投机目标，它就会因违背初衷而凋谢。

词可能被一些摇滚乐手延续至今，但朋克精神已荡然无存。

::::::闪烁在地下的鬼火——80年的地下朋克乐::::::

80年代初期的朋克乐是真正的地下音乐，朋克本身注定将经历这个阶段。

朋克在地下散发出死亡的气息，芸芸众生不会去多看它一眼，当然更不会出钱买它。娱乐业也完全抛弃了原先的含蓄，而把注意力集中在像Loverboy和Quarterflash这类乡花枕头般的乐队之上。

80年代早期，西海岸朋克乐诞生之后，在南加州出现了一支名为Minutemen的朋克乐队。由吉他手D.Boon、贝司手Mike Watt和鼓手George Hurley组成。他们与由Black Flag吉他手Greg Ginn 创办的独立唱片公司SST签约。与起源于的朋克的硬核(Hardcore)音乐相比，Minutemen的音乐更为地域化。SST旗下的乐队大多只有贝司、鼓和吉他，但各自演绎主式不同，其中Minutemen是比较注重旋律性的一支乐队。但在1985年的圣诞之夜，Minutemen因D.Boon死于车祸而突然解体。

当时在美国喜欢朋克乐的人并不多数中学里没有喜欢朋克的人，除南加州外，每所中学里最多只有3、4个朋克乐迷。家长与教师不时警告这些“行尸走肉”们，给他们进行整套的心理测试与心理治疗。这些孩子通常具备很高的智商，极富创造力，但在学习上却存在着障碍，如多动症、诵读困难等。他们经常自己用药物治疗。他们彼此仇视就像他们仇视整个世界，他们不停地相互指责对方是伪装者、赶时髦的人。

其实，把亚文化群分开本身就是自相矛盾的做法。如果只有通过吸毒过量致死来证明自己不会是个伪装者，那么只要活着的就是虚伪的。

1985年，一位英国记者Dave Rimmer出版了一本讨论朋克文化的书——《如果朋克从未诞生过：文化俱乐部和新的流行乐》。书中谈到一代“出道于朋克年代，汲取了它的精华，学习了它的方法，但抛弃了它的理想”的年轻人，其中就包括Boy George、Spandau Ballet、Wham！、DuranDuran和Adam Ant。

无论是追求名利还是自我毁灭，对大多数朋克乐手而言，“朋克”也就意味着“无秩序”，而后者曾以极高的频率出现在当时的报纸上。80年代美国最著名的“无秩序”是the Dead Kennedys乐队。乐队的队名就代表了他们的立场，表示了他们是一支亵渎神明的极具危险性的乐队。the Dead Kennedys带动了一大批持共和主义博爱信仰的孩子。主音歌手Jello Biafra在“NaziPunks Fuck Off”一曲表达了他的迷惘感，直到今天，他还时不时引用这首歌中的句子。到了80年代中期，the DKs在洛杉矶和旧金山能一下子召集15000名歌迷，在别的大城市也能召集几千名。这样，有许多人理解了the DKs的音乐，但仍有一些人只想和着他们的音乐节奏跳舞。于是出现了在舞厅和溜冰场里放朋克音乐的怪现象。

继the DKs后，美国又出现了Dead Cops、DOA、the False Prophets、Nausea Missing Foundation等反战、反社团、反等级制的乐队，另外还有一些吸毒的乐队，如后改名为Fugazi的Minor Threat。著名的Black Flag乐队的吉他手Greg Ginn和主音歌手Henry Rollins堪称80年代朋克乐手的楷模，这支乐队后来成为Hardcore的核心，发展了朋克乐的演奏技巧。The Bad Brains乐队将雷吉揉进了朋克。Agnostic Front、Murphy\'\'s Law和Carnivore3支乐队群起反对“和平朋克”，推崇虚无主义，吸引了很多年轻人。另外，the Jam乐队的领队Paul Weller和the Replacement乐队的主唱Paul Westerberg也对朋克的发展作出了很大贡献。

朋克乐的一个共同点是对重金属音乐的仇视。事实上，如果在同一场演唱会上既有朋克乐队又有重金属乐队，他们便很难相安无事。朋克乐手们只喜欢死亡金属，如Motorhead乐队。

朋克也带起了一场杂志出版界的变革。由于普通的媒介一般不介绍，也很少上电台，朋克乐队手们必须直接在俱乐部中交流。倒是在一些不起眼的小杂志上偶而会发现对朋克的激烈争论之词，其中包括《Maximum ROCK&Roll》和《Flipside》，当然这两本杂志在今天已经相当有名了。

到了80年代末期，朋克渐渐“销声匿迹”了，朋克精神也在青少年心目中渐渐淡忘。但是，这头摇滚怪兽并没有死亡，它在地下驰骋的这段日子反而使它的肌肉更加结实，羽毛更为丰满。总有一天，它要从地下的鬼火中跳出来，发出令世人震惊的咆哮。

::::::朋克与商业的畸形儿 ——90年代的Grunge Rock::::::

1991年11月15日，Nirvana为《Nevermind》刚推出5周销量就已达50万张，并且在排行榜上势如破竹，节节上升。这种丑陋的、古怪的、喧闹的却又是坚实的朋克乐再度在音乐界爆炸，引起了强烈的反响与轰动，从此一发而不可收拾。但是，正由于这种被称为Grunge的音乐一开始便与商业扯上了剪不断理还乱的关系，它一出生便是一个不可能正常成长发育的畸形儿，并由此酝酿了一出出的心灵悲剧。

90年代，美国的失业危机重新抬头，就连大学毕业生都很难找到工作，即使有工作，也很难买到房子。于是这一代的年轻人认为自己的生活不及他们的父辈，他们中越来越多的人已经不想念大学，认为与其拥有一份毫无意义的正式工作，还不如去自杀。这些对生活、对家庭与社会失望与厌倦至极的年轻人聚到了一起，于是朋克乐成了他们的精神寄托。

朋克从诞生起就向美国的价值观、传统的伦理道德与音乐形式发起了挑战，但如今这却导致了对什么是真正的朋克乐的无休止的争议。时代在朋克的动脉中注入了大量养料，但却引起了它静脉阻塞。80年代那些在大学广播台大放朋克乐的人现在都在大唱片公司身居要职，如西雅图的KCMU大学广播台，它过去的DJ就包括现在Elektra公司副总经理Faith Henschel、Sub Pop公司的合伙人Jonathan Poneman以及Sony公司的Damon Stewart，这此人使Grunge成为从朋克乐通向市场的一条新路。如果西雅图新朋克乐通向市场的一条新路。如果西雅图新朋克的生力军Mudhoney的第一张专辑《Superfuzz Bigmuff》没有在英国榜上停留一年之久，如果Mudhoney没有走红，也许Nirvana也没有今天的地位。80年代末期音乐界商业化泛滥，导致90年代的新生儿Grunge走向异端：工业化了的Ministry，流行化了的Nirvana和Green Day重金属化了的Soundgarden和Offspring，迷幻化了的Dinosaur Jr和Screaming Trees，还有民谣化了Beck和Mary Lou Lord无一不是朋克与商业结合的畸形儿。

Grunge的摇篮——Sub Pop唱片公司原本是Green River、Soundgarden、Nirvana、Mudhoney、Taci和Love Battery这些乐队的家，但它在3年前几乎破产。如今，它的两位合伙人Pavitt和Poneman把49%的股权卖给了华纳公司，由此他们又有了19000美元的资产。在商业与主流文化即将吞噬Nirvana时，主唱Kurt Cobain选择了自杀。在艺术与商业的矛盾中挣扎的Cobain最终未能幸存下来，却是情理中事。相信在他步入天堂之时，要比他一生中的任何时刻更深更透彻地理解朋克乐。他生前曾对记者说：“大多数新乐迷并不真正懂得地下音乐，他们喜欢Guns n\'\'Roses，也许也听Anthrax，我不期望他们懂得我们的音乐，但我总是力图使他们理解我们。也许有一天，我能打动他们。我真的希望如此。”1994年4月8日，Cobain以自己的行动实现了他的期望。他的心灵悲剧确实打动了无数青少年。如今的西雅图流行起了这样一句话：有钱能使鬼推磨。甚至那些老朋克乐手也开始挣大钱了。Henry Rollins成了朋克明星、模特儿、诗人、出版商，老Henry Rollins乐队的专辑《StrangerThan Fiction》也成了金唱片。因此，人永远不会因为喜欢某种音乐风格而去改变自己的天性与生活方式。

朋克乐在其诞生至今的20个年头里的确走过了一段曲折坎坷的路程，产生朋克的根源是失业与经济危机，因此它绝对不可能真正存在于任何一个商品意识很强的社会之中，这样的社会精神与朋克是背道而驰的，朋克天生与商业对立，也许它与一切都是对立的。时代可以造就一种音乐，也可以扼杀一种音乐。朋克精神的消失与一种服饰的过时一样简单与易于理解。

摇滚乐是在自我利用的错误意识压迫下的腐化情感，而朋克是美学上可以被认可但政治上注定失败的自相矛盾。也许从某种意义上来说，朋克的反抗也并非完全是指向失业本身的，也许正是失业的空虚与无聊才带来了摇滚生涯。当“摇滚”本身已经解决这一问题，超越摇滚、“返朴归真”自然不在话下。

::::::朋克音乐组成::::::

      在乐器使用和配备上，除了吉他、贝司和鼓，所有其他乐器都被他们作为衰微的职业主义和技巧偶像的装备取消了。这种声响最适合表达愤怒、沮丧、混乱以及世界末日来临时的各种情感。吉他手用暴戾的和弦来配合歌手歇斯底里的演唱，同时节奏部分使前两者显得压抑，这是对现代世界冷酷的极权主义的反应。

不少朋克乐队都喜欢采用\"雷吉\"音乐的风格，因为\"朋克----雷吉\"之间有许多相似之处：1、它们都是流浪儿文化；2、为那些愿意创造或生活在他们自己设防而特殊的世界里的人；3、为与社会格格不入的人；4、为那些认为自己不适合这个社会的人。

但从它反对名誉、职业主义和\"艺术\"的意识形态来看，\"朋克----雷吉\"联系的纽带上有很突出的矛盾：\"雷吉\"乐是用牙买加英语演唱的，没有肤色、年龄限制的音乐，而朋克则是用普通英语演唱的，纯粹的白人青年音乐；朋克音乐一直企图摧毁摇滚乐。从一开始，朋克就成为公众丑闻的话题和摇滚评论中\"下一个新鲜事物\"的焦点，但即使是最极端的朋克乐队，还是能获得大批听众和金钱，那些最重要的朋克乐队都是与著名唱片公司签合同的，而\"雷吉\"乐歌手则无这份幸运。这样，朋克向前的趋势越强烈，它就越真实和不可避免地拥有广泛听众，宣扬流浪儿、无家可归的权利，不再表现反叛，而是用表现反叛背后的矛盾来替代。

::::::朋克相关名词解释::::::

Punk(朋克):

朋克诞生于七十年代中期，一种源于六十年代车库摇滚和前朋克摇滚的简单摇滚乐。朋克乐队以the Velvet Underground、 the Stooges、New York Dolls等乐队的简朴音乐为蓝图，试图通过简单的三和弦还摇滚乐质朴的本性。朋克音乐不太讲究音乐技巧，更加倾向于思想解放和反主流的尖锐立场，这种初衷在当时特定的历史背景下在英美两国都得到了积极效仿，最终形成了朋克运动。尽管朋克乐队大多惊人地相似，作品也过于单调，但许多著名的朋克乐队都有自己的显著个性特点，比如the Ramones的泡泡糖流行乐、the Sex Pistols的Face(面容)式的强力和弦、Buzzcocks(嗡嗡鸡的)流行感觉、the Clash(冲撞)的雷鬼元素、Wire(电线)的艺术试验特色等。此后朋克逐渐过渡成后朋克、新浪潮、硬核等风格，在八十年代中期，朋克运动整体陷入低潮。

Hardcore Punk(硬核朋克):

硬核朋克诞生于八十年代初，它把朋克摇滚进一步引向极端——更快、更噪、更僵硬的演奏，喊叫式的演唱、邋遢肮脏的录音效果（有时也包括专辑封套）。硬核最初出现在美国，主要以洛杉矶、纽约为中心，此后逐渐蔓延开来，先后涌现了Black Flag、Husker Du、Descendents、Meat Puppets、Dead Kennydys、Bad Brains等著名的硬核乐队。硬核朋克虽然对以后众多的摇滚风格产生了深远的影响，但一直没有主流化，这种情况一直持续到了今天。

Proto Punk(前朋克):

前朋克发生在美国六十年代末七十年代初期，当时的一些乐队在简约主义的思绪下，开始尝试创作粗糙的摇滚乐。当时以the Velvet Underground为代表的这种乐队，并非有意识地扮演“重建摇滚乐，还摇滚乐质朴本质，推翻被美化的摇滚乐”这一好斗的角色，很显然，他们所做的一切只是出于一种下意识的反应。尽管他们的音乐并未全面带出日后朋克的影子，但至少他们已开始关注朋克文化的最深层精髓，只是不够反叛罢了，朋克最终发现并延伸了前朋克含糊的朴素精神，并把彻底的造反精神融入前朋克粗糙的音乐，创造出一种挑战社会、否定美化摇滚的时代强音，并被无数的青年接受，得以开创朋克王朝。

New Wave(新浪潮):

八十年代初，朋克急速膨胀后的泛滥逐渐使它开始落伍，新浪潮运动在这种情况下开始走上历史舞台。新浪潮运动中体现出的音乐多样性，顺应了部分对朋克过敏的摇迷的需要，以流行音乐为根基Power-Pop(强力流行乐)、Synth-Pop(合成器流行乐)、Pop-Reggae(流行鬼乐)的走红为新浪潮运动推波助澜。新浪潮运动的巨大成功在很大程度上还应归功于八十年代诞生的MTV，在它的帮助下新浪潮运动在主流社会同样拥有巨大的市场，并且形成了群雄逐鹿的态势。一九八二年前后新浪潮运动在重金属战车的隆隆车轮下开始消亡，但它为后来的College Rock(校园摇滚)和九十年代另类摇滚的主流化奠定了基础，成为摇滚史上承上启下的一个重要阶段。

Post Punk(后朋克): 　　

七十年代末朋克运动开始后，一些乐队仅仅继承了朋克桀骜不逊的倔强精神而没有成为Sex Pistols 的过剩复制品。这些乐队在音乐上体现出令人难以置信的复杂和试验特色，完全摒弃了朋克粗糙的三和弦，他们的作品充满艺术性、高精尖的音乐素材和挑战性，但鉴于他们反主流摇滚、反传统、反文化的朋克精神，他们被叫做后朋克。Joy Division 和the Cure为代表的后朋克乐队不仅进一步提高了音乐元素的份量，使它更加复杂，音乐也开始变得忧郁冰冷，同时，后朋克乐队试图改变传统的摇滚歌曲的结构和创作主题，体现出彻底反叛精神，后朋克思潮逐渐成为日后另类摇滚的思想支柱，在不同的摇滚风格中继续得以延伸。

Oi!(唉！): 　　

Oi!其实只是硬核朋克的一个分支，一种完全建立在纯粹暴力色彩和噪音、毫无美感而言的地地下的极端风格。最初的这种风格的乐队丝毫没有任何激进的政治倾向性和社会责任感，但后来逐渐发展成为标榜白人至上主义的种族音乐，尽管并不是全部的乐队都带有种族主义倾向，但它还是被公认为一种非常危险的摇滚乐，一种只属于地下世界的白人音乐而遭到排挤，最终被摇滚乐所淘汰。

Ska:

来自牙买加得快节奏沙滩舞曲，产生年代虽早，但继而就进化成了raggae 风格，直到后来与 punk 风格相融合，才使他成为了一种同时具有爆发力和欢乐情绪的音乐，容易被人接受，也得到非常多的听众的承认；音乐多采用吉他的短切音弹奏，舞曲式的跳跃感很强.

Synth-Pop(合成器流行乐): 　　

Synth-Pop最初只是新浪潮运动一种主要的分支风格，当时很多受Roxy Music、David Bowie影响的乐队(主要是英国乐队)开始热衷于使用合成器演奏，当时的初衷只是对于电声乐器一种有益的补充，但收效甚微。最初的合成器流行乐非常的生涩，弥漫着一种怪诞单薄的味道，这种情况最终被Duran Duran乐队所改变。Duran Duran巧妙的把合成器流行乐和舞曲嫁接起来，改良后的音乐更加通俗、流行，并很快成为时尚，为许多乐队效仿，Duran Duran也由此一举成名，成为合成器流行乐的第一个英雄。1984年，合成器流行乐时代彻底结束，但它的影响一直持续了下来，合成器开始被看做一种重要的演奏方式，并被广泛运用到多种风格上。

Power Pop(强力流行乐): 　　

强力流行乐的最初根源可以追溯到七十年代初期，the Raspberries、Big Star和Badfinger是这种风格的最初定义者。这种融合了the Who、Beatles和Beach Boys的强力流行音乐在七十年代末同朋克一起组成了新浪潮运动的主力军，并最终被归入后朋克风格。强力流行乐的作品一般为三分钟左右，注重旋律和音乐的爆发力，和朋克有些相似，只是更加注重技术和流行感觉，而且不热衷于反叛，更加商业化。七十年代末，部分朋克乐队转变为强力流行乐，八十年代强力流行乐开始更多融入各种摇滚风格，与此同时，纯粹的强力流行乐开始衰败

No Wave(无浪潮): 　　

无浪潮是后朋克运动的第一种主要风格，它仅仅出现在当时的纽约，音乐为无调性、刺耳的噪音试验音乐。这种风格的乐队更加注重艺术性而不是音乐本身。过于枯燥和缺乏商业潜质使这种风格从未真正流行，直到八十年代中后期以Sonic Youth为代表的噪音摇滚的崛起才得以使这种风格再次走上摇滚舞台。

Punk Revival(朋克复兴): 　　

九十年代初期，美国朋克迎来了第二个春天。Green Day和the Offspring的Punk Pop(朋克流行乐)开始使朋克进入主流摇滚，或许受到八十年代末硬核转变为速度金属的启发，朋克复兴乐队的音乐不仅保持了简洁的音乐线条和飞快的速度，而且音乐愈发沉重起来。另一方面，强力流行乐讨好的形象和更加圆滑的音效、讲究的编排使听众在感受朋克力量的同时同样可以感受到优美的音乐，这也正是朋克得以复兴的法宝。Punk Pop被视为Post-Grunge(后垃圾乐，即温和商业化的Grunge)重要组成部分。

*::::::震惊世界的十张唱片::::::*

http://www.punxzone.com/punk/top10.htm
（自己看吧，懒的贴了）网站转自PUNXZONE。COM

*硬核音乐：从西海岸到东海岸*

许多朋克与\"skinhead\"的影响在美国发展成为硬核音乐，他们在西海岸与东海岸同时生长。在加洲，有The Dils,、Black Flag、The Weirdos、The Avengers、The Germs、 The Descend ents、Adolescents、X、Minutemen、Dead Kennedys、The Circle Jerks、Bad Religion、S ocial Distortion、T.S.O.L. (True Sounds of Liberty)、The Vandals、Fear等等，在华胜顿特区也有Minor Threat、Bad Brains和Dischord公司旗下的乐队。

组建于1978年的黑旗（Black Flag）乐队被认定为美国的第一支硬核乐队，他们成立了自己的唱片厂牌SST，为西海岸硬核音乐带来了国际地位。1980年，黑旗发行了首张EP专辑《Je alous Again（再次嫉妒）》，随后以广泛的巡回演出取得几乎在所有城市的影响。黑旗与他们的同行者创作了许多抨击商业文化与中产阶级生活的歌曲，他们制造了一种反对被支配的享乐主义的噪音。另外，黑旗也鼓舞了许多人，但他们却从不\"教唆\"他们的歌迷。

死肯尼迪（The Dead Kennedys）乐队是一班西海岸的异数徒，他们树立了一个\"自我公正 \"的道德标准去抨击中产阶级与上层社会的价值观念。1980年，乐队在IRS公司发行了第一张专辑《Fresh Fruit for Rotting Vegetables（新鲜水果送给腐烂的蔬菜）》，其中一首\"Holi days In Cambodia（柬埔寨的假期）\"标志了他们无比的成就。随后，死肯尼迪又推出了充满讽刺咒骂，甚至专横傲慢的《In God We Trust, Inc》，这张唱片将他们的斗争推到了\"极限 \"的边界，直到1982年经过改良以后显出些许幽默感的《Plastic Surgery Disasters（塑料外科灾难）》才挽回了他们自己原已确立的声望。1981年，死肯尼迪成立了自己的唱片公司\"另类触角\"，以此作为像SST一样的基层力量。

东海岸乐队有许多与死肯尼迪一样的共性，他们的音乐不同于繁多的加洲享乐主义乐队。当SST公司刚出现时，Minor Threat乐队也促成了Dischord公司。1981年，他们出版的EP唱片《the Bottled Violence（瓶装暴行）》初次显露了他们根植于Crass的意识形态与The Ruts 的音乐风格的深刻影响。其中一首\"Straight Edge\"（他们把这首歌称为对毒品与酒精的节制）使Minor Threat无意间创造了一个全新的美国亚文化，这首歌被公认为具备了现实批判与政治朋克的色彩，它鼓舞了一代\"平头\"和那些没有厂牌去谴责自我毁灭和如同文化偶像西德（\" 性手枪\"吉他手）这类虚无主义的生活方式（Straight Edge运动拒绝毒品、酒精、滥交）。 Minor Threat的主唱Ian MacKaye后来强调，他不是要鼓动人们去约束自己的生活，他仅仅是描述了他们对自己的生活方式作出的选择。

与此同时，\"坏脑\"（Bad Brains）乐队继续走上了2-Tone运动的老路，他们将\"混血文化\" 推得更远。在1980年的单曲\"Pay to Cum!\"中，源自华胜顿的黑人爵士摇滚证明了他们在早期音乐生涯中对于硬核的掌握。在1982年的ROIR磁带专辑中，\"坏脑\"将激进的鼓乐与拉斯特雷吉音乐夹杂于硬核的狂暴之中，确立了一种全新的音乐特征。作为这样不断前进的乐队，他们摆脱了硬核的声音限制，并创作了更为令人激动的疯克、雷吉与金属的混合音乐，同时也继续发扬着拉斯特发里教的精神原理。

::::::朋克在美国::::::

“当年的美国老朋克说，“我是一个反叛者，我为之感到兴奋。现在的美国新朋克说，“我是一个反叛者，我为之感到时髦。”--------J.G. Ballard

　　J.G. Ballard在1990年写下《朋克历史》时的这个朋克式的简短开头就像是美国朋克的墓志铭，涵盖了漫长的岁月，夹杂着他复杂的个人情感，最终重重地跌入尘埃。这显然不是他想要的结局，二战后出生的优越一代，凭借汽车、毒品、性解放、可口可乐这些美好的玩意儿和时代开了一个玩笑——没什么是正确的，没什么是值得遵循的，别理会什么传统和教条，改变它、蔑视它、毁灭它，用嘈杂的朋克摇滚和叛逆危险的态度。正如Misfits(不适者)在1978年时唱的那样，“你有点该死的态度，我不相信你对我说的一切，如果你不闭嘴，你将会被打翻在地”

　　打翻在地，朋克全部的思想精髓都在这了，甚至包括打翻自己。朋克用简陋的音乐把他们露骨的叛逆行为提升到了哲学层次，在主观能动性和否定之否定的理论下创造了一种扭曲的责任感和边缘文化现象。嬉皮士们带着“乌托邦”式温和美好的理想主义走到了尽头，而随后的新一代则走向了截然相反的极端与其祈祷上帝，不如让上帝屈服。今天人们提到更多的是朋克摇滚的内在思想，于是他们说，“焦点访谈是朋克、尼采是朋克、鲁迅是朋克、频频死机的电脑是朋克……”扯远了，但是无论如何，朋克一直生活我们的世界里，就像我们的影子，永远如影随形。

　　美国朋克在历史上并没有太多噱头，和英国相比，他们更加注重生活和自身的感受。当时的英国朋克评价说，美国从来就没有真正的朋克，原因很简单：美国没有像英国那样经历过大国衰落的国民，他们缺乏那种愤怒失落的情绪。果真如此？

::::::前朋克阶段::::::

六十年代中期美国正处在“地下政治温床”和“底特律骚乱”时期，美国车库摇滚中已开始出现日后朋克的雏形。当MC5、the Stooges(助手)在底特律演出时，他们简单粗糙的吉他、露骨的嘻笑怒骂已经和后来的朋克基本一样了，只是那时的乐队过于地下，也没有太多可以被唱片工业利用的卖点。当时的乐队并不像后来的朋克那样喜欢通过过激的言行、充满噱头的装扮达到目的，他们的反叛精神不够明显，挑战传统显得不够积极，他们只是出于一种自发自觉的摇滚动机。当时的地下演出、另类诗歌、街头涂鸦反映的基本上是一种健康的黑色幽默感和嘲讽。

the Velvet Underground(地下丝绒)在六十年代末的出现逐渐改变了这种情况，他们更加倾向于剖析社会现实，并且用粗糙的摇滚乐表达出来，这是当时《Fuck You》、《Fusion》这样的地下文化杂志所不能比拟的。在the Velvet Underground简约主义思想的感召下，越来越多的乐队选择了毫无修饰的原始效果，纽约成了当时这种运动的中心，Proto-Punk(前朋克)运动由此拉开了序幕。那时模糊的前朋克文化只是作为摇滚乐的副产品偶尔满足叛逆青年过剩荷尔蒙的需要，尽管当时许多摇滚乐队或多或少对此都有所体现，但几乎没有什么人把它作为一项“神圣的使命”来完成。虽然也有一些像“Heroin”这样被认为极其不道德的、惊世骇俗的作品，但the Velvet Underground的作品其实更多的是在艺术和概念上进行一种探索，同后来的所谓的“真”朋克相比，他们显得比较保守内向，比较艺术化。

::::::CBGB时代::::::

一九七五年的时候，美国朋克运动的中心集中在纽约一个名叫CBGB的俱乐部，当时Patti Smith Group、the Ramones、Talking Heads(头部特写)、Blondie(金发女郎)、Television(电视)和the Heartbreakers(伤心人)都曾在这里驻唱。这个时期正是摇滚乐青黄不接的时候，那些温和抒情的摇滚乐被称作狗屎，Aerosmith(阿罗史密斯)、Kiss(吻)的重摇滚也未能满足年轻一代躁动不安的心灵，在这种情况下，纽约朋克冲出重围，暂时扮演了救世主的角色。同信仰“爱与和平”的老嬉皮相比，朋克摇滚显然更加适合当时“物质极大丰富，思想极大匮乏”的美国二战后出生的一代的空虚心理。他们露骨的反主流思维，在试图否定一切“权威、被美化的虚伪、约定俗成”的过程中逐渐成为时尚。首当其冲被否定的就是主流摇滚，朋克们认为用华丽包装、炫技和假大空的社会责任感这些表面文章来哗众取宠的主流摇滚是不折不扣的垃圾，所以在演奏技巧和音乐思想上朋克倾向于简单实用、爆发力、速度和更为一针见血的生活、生存的态度。后来以称伊丽莎白女王“不是个东西”而一举窜红的the Sex Pistols在音乐上不过是New York Dolls、the Ramones衣钵继承者而已。

　　CBGB时代的朋克在对传统摇滚乐宣战的同时，内部也在发生着微妙的变化。尽管朋克运动得到了年青人的大力支持，但在坚如磐石的生存现实和商业社会面前，朋克一样显得虚弱无力。虽然他们公开否定传统摇滚乐，但在CBGB俱乐部的演出曲目上依然经常可以看到像“Hey Joe”、“Surfin\'\' Bird”、“1-2-3 Red Light”这些老家伙的经典歌曲。13th Floor Elevators、Al Green在朋克中间也享有崇高的威望，这看上去有点奇怪，但商业规律迫使他们不得不在演出中加点讨好大众的“破烂玩艺儿”，生存的重压也一直威胁着他们，尤其是一些没有丝毫名气的朋克乐队。朋克们开始形成各自的特色，以the Ramones为代表的快、狠、噪、Blondie性感的新投机朋克、Patti Smith诗化的诅咒、Talking Heads浓厚文化底蕴的暴虐一起出现在舞台上。风格的分歧并未改变美国朋克“改变摇滚乐，重建摇滚乐”的初衷，虽然朋克运动最终并未使摇滚乐彻底改头换面，但至少朋克文化为日后的许多新摇滚风格的发展扫清了道路，并继续汇入摇滚乐的发展，成为摇滚文化最重要的思想精髓之一。

　　遗憾的是，美国朋克运动虽然对日后的英国朋克大爆炸做出了重要的贡献，但在美国本土却从未真正形成气候。它仅仅停留在了一种较低层次的摇滚风格创新，而没有像英国那样成为一种强有力的文化现象。CBGB俱乐部里的很多朋克乐队日后都成了朋克巨星，但他们在英国的知名度却远比他们在自己的祖国要大得多，the Ramones、Talking Heads在英国被视为神一般的摇滚英雄，这一点再次证明了为什么英国朋克后来居上的原因。“美国朋克？请来纽约！”当时的情况可以用这样一句调侃来描述。不管朋克们有多么不情愿，朋克在当时的美国没有市场是事实，像the Electric Eels、 Devo、Pere Ubu、Suicide、the Dils、the Germs、the Avengers、the Dickies这些乐队因为缺乏长期的商业操作而一直在地下自生自灭。

::::::美国朋克的黄金时期::::::

      美国朋克真正的黄金时期还是在八十年代初的硬核时代，从音乐角度来说，硬核不过是更加极端的朋克摇滚，更加脏乱、吵闹、僵硬。但这个时代的乐队，第一次把朋克音乐扩展为一种全面爆发的运动。他们的影响也比CBGB时代要深远得多，它的审美方式也被后来的激流金属、速度金属、死亡金属、碾核、垃圾乐、另类金属、朋克复兴运动乃至整个另类摇滚乐界发扬光大，并最终促成了九十年代垃圾乐、朋克复兴的主流化。

　　Black Flag(黑旗)无疑是当时最出色的代表。他们不仅保持了朋克一贯的冲劲，而且结合了爵士乐、重金属、噪音摇滚等风格，创造出更加丰满的音乐氛围，成为美国朋克史上第一支具有深远影响的硬核朋克乐队。他们不仅界定了自己的硬核审美观，而且在朋克和重金属之间找到了完美的结合点，为日后的激流金属和朋克金属奠定了坚实的基础。Black Flag复杂的音乐元素、波西米亚风格的试验色彩、诗化的歌词在八十年代名噪一时，成为当时地下音乐最具哲人风采的硬核乐队。

　　1981年Black Flag因对Unicorn(麒麟)唱片公司以“内容过于危险、粗俗”为由封杀专辑《Damage》的行为大为不满，一怒之下成立了他们自己的SST公司的名义发行了这张硬核经典。结果是，乐队在专辑被惊叹为“地下世界的曙光”的同时被麒麟公司告上法庭，陷入了一场旷日持久的官司，乐队甚至被禁止在此阶段使用乐队的名称和标识。不过这件事对Black Flag毫无影响，他们在两年内疯狂巡演，在高峰时期甚至还秘密发行了一张粗糙的精选双专辑《Everything Went Black》。老天有眼，1983年，麒麟公司宣告破产，这场官司最终不了了之。或许想追回以前的时间，乐队从1984年起开始变得难以置信的多产。到1985年共完成了《My War》、《Family Man》、《Slip It In》、《Live \'\'84》、《Loose Nut》、《The Process of Weeding Out》等九张专辑，Black Flag的事业达到了巅峰。

　　这个时期Black Flag不仅在音乐上取得了空前的成功，更为重要的是他们的SST公司为推进硬核摇滚的发展作出了突出的贡献。SST的空前成功导致了乐队元老Greg Ginn在1986年突然决定解散Black Flag，以便把精力更多地投入到公司事务当中。他的决定当然有他的道理，一切革命都需要有领导者，而SST正是硬核革命领导者的最佳人选。SST最辉煌的时期旗下拥有一批重量级的硬核乐队——Black Flag、Husker Du、Meat Puppets(肉偶)、Descendents(世袭)、Minutemen(民兵)、Bad Brains(坏脑)、fIREHOSE(消防水管)、Buffalo Tom(布法罗·汤姆)、Soundgarden(音响花园)、Sonic Youth(音速青年)、Screaming Trees(尖叫的树)……这些乐队的重要性不言而喻，他们的影响力一直延续到今天，为日后非主流、独立摇滚的指明了方向。这段时期的乐队体现出了前所未有的创造力和艺术感染力：Husker Du的优雅、Bad Brains的超级速度、Sonic Youth的噪音试验、Minutemen的爵士乐风采、Meat Puppets的乡村味道……没有什么遗憾，没有黯然神伤，尽管这个辉煌的时代最终在九十年代左右随着SST公司的明星乐队相继解散或加入主流大唱片公司而结束，但他们已经赋予了这个时代最真实的声音和最危险的激情。

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作者: xin0123 时间: 2007-2-8 10:46

电乐的历史

【 1876年】　　1876亚历山大·贝尔发明了可以将声音转化成电子信号的电话。把1876年作为电子音乐元年其实一点都不牵强附会。如果我们到现在都拿着两个中间穿了线的玻璃杯来作远程交流的话，那么电子遇到音乐，将还是遥遥无期的事。
【 1877年】　　爱迪生发明留声机，尽管爱迪生的留声机只是由齿轮传动的手摇机械装置，但拿着自己发明的土炮录制的“Mary Had a Little Lamb”还是宣告了机械复制时代的来临。不管听起来是否残忍，电子音乐史本身就是部技术史，没有机器就没有电子音乐
【 1913年】　　意大利未来主义者Luigi Russolo发表了他最著名的“噪音的艺术”宣言。他号召所有未来主义音乐家都用噪音来取代交响乐队乐器声音的限制。要知道那时候连打击乐都属于“噪音”的范畴。
【 1939年】　　John Cage写作了他的《想像的风景／第一号》。这首曲子用的是电子音符。尽管John Cage不是纯粹的电子音乐家，但他每次搞搞新意思，现代音乐的发展就往前跨一大步。
【 1949年】　　法国人Pierre Schaeffer利用自己在法国国家广播公司的职位便利创造了他的《为一个孤独者所作的交响乐》。这是第一件具象音乐作品，也是第一个利用磁带的可能性创作的作品。“具象音乐”说穿了就是“剪刀加糨糊”（cut n\'\' paste）的音乐。今天所有搞电子音乐的都遵循这种前卫法则。封Pierre Schaeffer为电子音乐的老祖奶奶绝对贴切。
【 1951年】　　Les Paul的名字对搞摇滚的肯定很熟，电吉他就是这厮发明的。一架电子合成器与电子琴的区别就在于合成器里装了许多块效果器。
【 1956年】　　Stockhausen录制了《Gesang Der Juenglinge》（青年之声）。从此一位电子音乐巨星诞生了，到现在那些做电子音乐的小屁孩还尊他为电子音乐大师，他也无比臭屁地告诉他们：“你们玩的我早在几十年前就全玩过了，你们歇菜吧。”
【 1958年】　　在布鲁塞尔世界博览会上，应建筑师柯布西埃的邀请，法国音乐家Edgard Varese把电子噪音和飞机的声音拼贴在一起，创作出了电子音诗，在柯布西埃设计的菲利普展馆里播放。这可能是最早的ambient音乐，没有人会到处找演奏者在哪，走进建筑便是走进了音乐。
【 1963年】　　具象音乐开始走进大众。BBS电台长篇科幻剧“Dr. Who”，大胆启用具象音乐作配乐，把数百万英国家庭主妇吓得要命。随后整个60年代便是电子音乐入倾流行音乐的小打小闹过程。The Beatles在白色专辑里运用了具象音乐；the Grateful Dead乐队在《Anthem of the Sun》磁带拼贴；Miles Davis和Herbie Hancock也把Stockhausen看作是帮助他们创造fusion爵士的重要影响……
【 1974年】　　德国乐队Kraftwerk发表了《Autobahn》。这首24分钟的长曲，完全用了电子声音模拟了汽车在高速公路上的一段旅程，成了当年的热门金曲。Kraftwerk最大的贡献是让电子乐彻底与摇滚乐为代表的流行音乐脱离了关系，在音乐分类上独立了出来。
【 1975年】　　Brian Eno遭遇车祸。这绝对是“塞翁失马”的现代诠释。躺在床上无所事事的Brian Eno在雨声与蚊样的竖琴音乐的交响中悟到Ambient的真谛。随后才有了他发气功一样的唱片《Music For Airport》。
【 1977年】　　Donna Summer发表了《I Feel Love》这算得上第一支完全用电子乐器制作的流行小调，用来当口水歌也可，用来跳舞也可。Donna Summer在电子音乐的背景上，假装高潮迭起，于是张扬“性即是权利”的Disco音乐便从这首歌开始了。
【 1979年】　　当所有人都开始厌倦朋克的时候，一众欧洲艺术院校出来的青年将Kraftwerk式的电子音乐和流行小调混在一起，便有了Synth-pop（合成器流行曲）。Gary Numan的出现算是这种风格诞生的标志。以后像Human League、Heaven 17、Depeche Mode都算是集大成者。
【 1981年】　　Grandmaster Flash激动人心地发现其实唱机并非只是唱片回放设备，通过意外在唱片上进行scratch（乱刮），获得了全新的音乐。是他让唱机获得了新生。他便是历史上第一位Hip Hop DJ。
【 1982年】　　日本人大发飚的一年。雅马哈的DX-7合成器使用了数码技术。同时日本合成器制造商Roland无可比拟的TR-808鼓机和TB-303贝司机发行。从此，日本机器开始了在电子音乐领域里漫长的统治生涯。
【 1983年】　　House音乐诞生了。美国的芝加哥Warehouse俱乐部，DJ叫Frankie Knuckles。他把Donna Summer催情的Disco音乐加上廉价鼓机制造出来的节奏混在一起，把舞池里的男同性恋者搞得兴奋异常。第二天，所有人都跑到唱片店去对老板说：“我要他们在Warehouse里播的那种唱片。”House就这么叫开了。直到这年Jesse Saunders发表了“On and On”才宣告第一张House唱片的诞生。
【 1985年】　　底特律人Juan Atkin发表的《No UFOs》被认为是第一张Techno唱片。其实Techno这个名字借用了未来学家Alvin Toffler在那本《第三浪潮》里的小标题“Techno Rebels”。其实Techno也不是他发明的，1981年，Juan Atkin老听Kraftwerk的《Computer World》，一心要做这样的音乐。于是和Derrick May以及Kevin Saunderson克隆了一把，便有了日后汹涌澎湃的Techno音乐。
【 1988年】　　英国的Summer of Love上，许多参加跳舞派对的人因为磕药的缘故，对原先House音乐的节奏已感到不满足。所以部分DJ便开始把原来的House舞曲唱片故意增加每分钟33转的速度播放。因此便诞生了Hardcore，它被定义为“终极快乐”的音乐，由于原始唱片被速度加快播放后，人声产生变形，听起来滑稽而有趣。
【 1989年】　　由于毒品泛滥，英国许多俱乐部被政府控制。跳舞音乐派对不得不挪到户外，便有了锐舞文化。锐舞的核心有两个，一个是drug，另一个播放音乐的DJ成了明星，制作音乐的音乐家反倒没DJ有名了。
【 1990年】　　Happy Mondays乐队在锐舞文化上受到启发，将电子和摇滚融合到一起。
【 1991年】　　Massive Attack凭借《Blue Line》作为首支Trip Hop乐队正式登场。以欧陆club音乐趣味去改造美国Hip hop便是Trip Hop的初衷。那候trip hop这个词都还没有被发明出来。
【 1992年】　　Goldie的“Terminator”一曲融合了Hip hop和Hardcore这两种截然不同的风格，倒意外发明了Jungle音乐。当代的Trance音乐亦在这一年出现，当时德国的柏林和法兰克福的锐舞正如火如荼之中，在Techno的节奏里加进优美动听的旋律便成了Trance音乐标准范本。
【 1993年】　　西班牙巴塞罗那举办了Sonar音乐节，于是每年就像米兰之于时尚界一样，最新款的电子音乐都会跑到Sonar去发布。这一年，英国的Warp唱片公司发行了Aphex Twin以Polygon Window的化名所发表的《Surfing on the Sinewaves》唱片算是Artificial Intelligence系列音乐，把一批跳脱出跳舞功能的实验电子音乐家收罗旗下。
【 1994年】　　第一张Café del Mar的店堂音乐精选唱片灌录成CD公开发售。Ibiza岛上的chill out之音获得了全世界的认同。以往只是Jose Padilla自己关起门来挑选一些Jazz、Downtempo、Classic音乐播放，他把那些最舒缓香艳的篇章拿出来衬托Café del Mar销魂蚀骨的落日。
【 2000年】　　整个2000年的夏天都是UK Garage的天下。BBC Radio 1从英国那些地下电台把专门播放界于Jungle和Soul之间的UK Garage舞曲DJ挖过来大肆鼓吹，整个UK Garage音乐便蔚然成风。

作者: xin0123 时间: 2007-2-8 10:48

另类中国摇滚史

一、外资与中国摇滚
　　假如在将来的某一天中国摇滚会让中国人引以为傲到有人正正经经的写一本《中国摇滚乐史》的话，那么\\\"外资\\\"这个话题一定会在其中占有相当长也相当重要的章节。不管你是否愿意承认，来自海外的资金在这十几年里让中国摇滚乐发生的变化确实翻天覆地、影响深远。
1．黄金时代：
　　最早被海外注意到的当然是老崔，他的《新长征路上的摇滚》曾被以《一无所有》命名引进到港台地区，一度掀起文化热潮，并从此成为内地歌手在港台地区销量最大的一张唱片。在前几年台湾学者编写的台湾流行音乐史上最重要的一百张专辑一书中，排名第一的竟然就是这张《一无所有》，足见老崔曾对海外的华人听众产生过多么大的震撼。这之后出于商业上和政治上的双重兴趣，不少海外公司于88年前后来到北京，开始在北京第一代摇滚乐手中积极挖宝，常宽与香港EMI签下了两张片约；台湾\\\"真言社\\\"则制定了规模相当大的计划，ADO乐队、蔚华领班的呼吸乐队、Sax演奏家刘元都被他们网罗至旗下。虽然因为当时政治局势及技术条件上的问题，最后运作的结果乏善可陈，\\\"真言社\\\"的艺人计划甚至全部无疾而终，但终究为北京摇滚和海外投资者打开了一个双向的窗口。
　　在早期注意北京摇滚的海外唱片工作者中，有四个名字无疑是最最重要的，他们都为中国的摇滚乐做出了足以名垂青史的贡献：方龙骧、Landy张培仁、Leslie陈健添、刘卓辉，两个台湾人两个香港人。与别的唱片商人不同的是，他们本身都是极为了解、热爱摇滚乐且曾对港台当地的摇滚乐做出过重要贡献的人，因此在与北京摇滚乐手的接触过程中彼此都有相见恨晚之感。以身材超级高大的张培仁为例，有关他在北京的茫茫人海中与另外四个高个子（唐朝乐队）相遇相知的事几乎已经成了中国摇滚乐一个最美丽的传奇。
　　80年代末、90年代初正是港台偶像音乐开始逐渐抬头的时期，对于像方张陈刘这样意识较前卫的港台音乐人来说也正是一场噩梦的开始，对港台当地市场越失望，他们对北京摇滚这片蕴含着巨大的生命力、又完全未被商业化污染的处女地也就寄望越高，北京甚至成为了他们一生的最高音乐理想的实践地。这一段时期北京摇滚与外资之间所发生的大事几乎全部与这四个人有关：方龙骧、刘卓辉开始筹划在北京成立自己的唱片公司；张培仁在中国摇滚划时代的\\\"90现代音乐会\\\"演出结束后开始与唐朝乐队接触并最终签约；Leslie则签下了一支叫黑豹的乐队并把他们送上了香港排行榜的冠军宝座。
　　毫无疑问，黑豹在香港市场的巨大成功让港台唱片界大跌眼镜，而他们的首张专辑在内地市场200万张的销量（虽然都是盗版）对于投资者来说更是一个绝好的刺激。这一带动下蠢蠢欲动的北京摇滚开发事业立时如火如荼的飞快开展起来，三家著名的外资唱片公司--魔岩、大地、红星相继正式开进北京，继唐朝、黑豹和那批真言社艺人后王勇、窦唯、张楚、陈劲、何勇……也先后签约海外。
在那两年（1991~1992），北京的摇滚圈里的每一个人内心都在燥动着，\\\"谁谁谁又和谁谁谁签约了\\\"是他们最乐于奔走相告的事。对于已经艰苦、封闭得太久的他们来说，海外唱片公司所带来的希望与新奇简直非笔墨所能形容。合约、出唱片、进口设备、生活费等等这许多新名词像一团团火焰一样撩着他们的心窝，每一个乐手都默默地把琴擦得甑亮，等待着自己一生命运的转机。
　　在那两年，为北京摇滚乐往来忙碌的每一个海外唱片工作者的内心也都在燥动着，他们在这片土地上一下子听到了太多令人欣喜若狂的声音、太多未来有可能创造出中国新音乐更大奇迹的希望，见到了太多让人无法归类的新风格、让人忍不住想要帮一把的可爱家伙。每一天都是一个梦的开始，有人在日记里激动的写下：我们在这个行业里的最终梦想将要在这里实现。
　　在那两年，没有人知道未来是什么样子，但每个人都知道那一定会是一条辉煌灿烂的成功之路。那是北京摇滚真真正正的\\\"黄金时代\\\"。
　　1992年，乐迷盼望已久的唐朝乐队首张专辑发行。
那时我正在上高三，正在拼命往这个圈子里挤，是典型的狂恋摇滚乐的少年人。虽然已经过去了七年，可当时的每一个场景还都仿佛是昨天一样--
　　那一个早晨，操场上照例挤满了该上早操的同学，可奇怪的是几乎没有一个人专心做操，大家都在交头接耳、热烈讨论着同一件事，兴奋的表情溢于言表--他们在说昨天晚上\\\"卫视中文台\\\"（就是现在的凤凰卫视）播放的一部让他们热血沸腾的音乐片，这片子的主角叫唐朝乐队。上课了，可每个班的老师都对自己班上莫名其妙地少了一大半学生大发雷霆。而直到下午，这些\\\"神秘失踪\\\"的学生们才再出现，他们每个人都戴着耳机、手里捧着一卷卡带歌页聚精会神的边听边看，还时不时向从身边走过的充满妒意的同学绽放一个得意的笑脸……
　　那一天，就是《唐朝》专辑的首发式，同样的场景，遍及北京每一个有年轻人的角落。这是让张培仁和魔岩唱片（当时叫魔岩文化）值得骄傲一辈子、在梦里梦到都会笑出声来的一幕，他们豁出性命的努力有了最真实的成功，这张《唐朝》当年在海内外所产生的轰动、它本身的音乐价值也是完全无法用笔墨来形容的，从此以后它与《新长征路上的摇滚》（一无所有）、《黑豹》稳居中国摇滚史上最经典的三甲地位，是杰作，也是巅峰，前无古人，后无来者。
　　一两个月后，这家由滚石投资的魔岩文化又是平地一声惊雷--它专门针对大陆的制作部门\\\"中国火\\\"在经过了一年多的筹备选材后，推出了一张收有九组中国摇滚艺人的合辑《中国火1》。从广义上讲，这件事对于中国摇滚乐的贡献可以说功德无量，因为它无懈可击的回答了人们当时的疑问：中国摇滚乐是不是只有崔健黑豹和唐朝？
答案当然是：不。《中国火1》第一次向华语世界展示出当时中国摇滚乐绚烂的全貌，每一首歌都感人至深、每一个音乐家都才华横溢，张楚、面孔、ADO、自我教育……百花齐放百家争鸣，人们简直被如此多元化、如此真实诚恳的音乐里所蕴含的强大冲击力给震晕了，而\\\"姐姐\\\"等一批作品也流传进了卡拉OK。无论是从制作水准、作品分量还是影响力、流行程度上说，《中国火1》都给中国的摇滚乐合辑建立了一个至高无上的高标，在后来的七年里，尽管各色各样的摇滚乐合辑出了一箩筐，至今也再没有一张能超越这个标准。
也就是从那时开始，\\\"魔岩文化\\\"和\\\"中国火\\\"开始成为当仁不让的中国摇滚乐旗手角色。对那时的乐迷们来说，这个品牌简直就是中国摇滚的代名词、救世主，提起来都会觉得有一层神圣的色彩；而对于北京乃至全国的所有摇滚乐手们来说，魔岩--中国火更几乎寄托了他们内心里最终极的、最美好的向往。那时的魔岩，代表的不仅仅是一家唱片公司，更是一种高品质、高品位、卓而不群的先锋文化的象征。就算在今天，我因为写这本书的关系重读当年Landy为魔岩的唱片所写的一系列文案，还是会为每一个字句激动不已、热血沸腾，没有办法。

2．白银时代：
　　\\\"中国之火，燃烧天际\\\"，中国摇滚乐终于形成了第一次燎原之势：不久后一张唯一能与《中国火1》相提并论的（到现在也是）摇滚合辑《摇滚北京1》出版，这是方龙骧与北京摇滚乐著名录音师老哥合作计划的第一步（当时还有王晓京的参与），其最大的贡献在于推出了像Again、超载、做梦（窦唯当时的乐队）、指南针、新谛等一批可称为中国第三代摇滚乐手的新乐队，（本文按\\\"万里马王\\\"、\\\"七合板\\\"至老崔、ADO为第一代，唐朝、黑豹、呼吸等为第二代，以此类推）进一步大大丰富、拓展了北京摇滚乐的风格和领域，而这批乐手如今已经是绝对的中国乐坛中坚了。
　　刘卓辉的大地公司（港资）也开始运行，启用大批北京摇滚乐人制作流行专辑，客观上为他们提供了非常重要的开拓眼界的实践机会。早期大地的摇滚艺人包括陈劲、何勇、金武林，也曾雄心勃勃，但因为内部的种种问题，该公司从一开始直至最后垮台都拖泥带水、麻烦不断，一直没能在摇滚方面有什么作为。
　　倒是刘卓辉的老朋友Leslie要幸运得多，他在北京成立的\\\"红星音乐生产社\\\"一开始就挖到了一个金蛋，是来自西安的郑钧，他的首张专辑《赤裸裸》在媒体料想不到的情况下成为乐坛黑马，是94年销量最高的摇滚乐唱片。之后红星一气儿签下了一大堆摇滚艺人，包括眼镜蛇女子乐队、骅梓、天堂乐队、许巍等等，成为规模不亚于魔岩的又一个中国摇滚大本营。
　　94~96年是中国摇滚乐的第二波高潮，这一次的信号仍旧是由魔岩率先发出的--相信很多人都会对94年春天魔岩在北京举行的一场\\\"魔岩三杰\\\"新专辑发布演出记忆犹新吧！正是在那一天，让大家等待了好久的窦唯《黑梦》、张楚《孤独的人是可耻的》、何勇《垃圾场》上市发行，这种集团军式的发行策略在中国摇滚来说还是头一次。三张专辑分别是另类摇滚、民谣和Punk乐，风格上的极大差异强烈的传达出一个新理念，那就是由传统式的京味摇滚和重金属挂帅的单一时代已行将结束，中国摇滚正在以极快的速度向世界潮流靠拢、进入一个真正多姿多彩的新时代。
　　这一变化无疑吸引了更多的来自海外唱片业的关注，来自中国的乐队变得分外抢手，也让魔岩公司在MIDEM国际唱片展上出尽了风头；亚洲MTV频道的年度十佳MV中，前五名里竟然有四首都是魔岩拍摄的中国摇滚乐作品；国际知名的乐器厂牌Gibson、Fernandes、Yamaha等也纷纷主动向中国乐手提供乐器上的赞助……到96年，继滚石之后，几乎所有的海外大唱片公司都和北京摇滚扯上了关系：郑钧脱离红星后进入了宝丽金（今日的Universal环球集团）系统；Leslie与正东唱片建立合作，在海外同步发行红星的一应音乐产品；常宽在香港华星旗下出了新专辑；黑豹、Again签约日本JVC唱片；台湾\\\"飞碟\\\"唱片制作了西安歌手童孔；方龙骧和老哥的\\\"摇滚北京\\\"计划与BMG挂上了钩，还促成了面孔乐队首张专辑的全球同步发行；刘卓辉离开大地后另组\\\"字母唱片\\\"，与北京的著名音乐人陈哲一样，热衷于以低成本发掘新的地下乐队再转手卖给海外大公司；内地摇滚的热潮甚至影响到港台当地的新音乐运动，不少独立小厂牌应运而生，而开发内地的乐队也是它们事业里的重要环节……
　　这一阶段北京摇滚乐可谓遍地开花，除去外资的大量涌入，本地制作公司也纷纷为摇滚乐投注了极高的热情，使得摇滚市场空前繁荣，几乎每个月都会有不少新的摇滚唱片面世。更重要的是，这个阶段的摇滚乐是中国最大的文化热点，是最时髦、最前卫的事。听歌的人以摇滚乐迷还是\\\"四大天王\\\"迷来分三六九等，市民们的普遍关注、媒体的大加赞誉、演出市场的热烈响应，使搞摇滚乐成了在社会上非常受人崇敬的事业。在这种氛围下，全国的摇滚乐从业人员数量激增，大街上随处可见皮装银饰、长发飘飞的摇滚青年。北京人曾有言道\\\"天上掉下一块砖，砸到五个人，有四个都是搞摇滚的\\\"，足见当时的盛世景象。
北京依然是中国的摇滚中心，但摇滚乐已经不再限于北京一地，从东到西、从南到北，几乎中国的每一个听得到音乐的城市都出现了摇滚乐队，且其中不乏佼佼者。BMG\\\"摇滚北京\\\"系列的第三张专辑已改名为\\\"摇滚中国\\\"，收录大批北京之外的乐队作品，至少是充分反映了当时的摇滚潮流。
　　94年底在香港举行的\\\"摇滚中国乐势力\\\"演唱会出人意料的巨大成功使魔岩唱片的事业达到了一个顶峰，有关这场演出留下的话题很多，它的意义当然不止于中国摇滚在最商业化的时代在最商业化的地方打了一场大胜仗、又或是何勇坦率直言惹来大乱这么简单。事实上，这场演出是许多事情的分水岭，不论是魔岩还是它旗下的艺人们，在那之后都要接受命运的严峻转折和考验。
　　转年魔岩文化改组为魔岩唱片，但由于市场的丰富和选择的增多，再加上在窦唯《艳阳天》之后公司一连发了几张反应平平的专辑，它在中国摇滚乐的领袖地位已逐渐淡化。倒是红星军团在96年一年中连出十张叫好叫座的摇滚乐唱片，成为人们新的焦点所在，亦为这几年的\\\"白银时代\\\"划上一个完满的句点。

3．青铜时代和黑铁时代：
　　96年底，骅梓的《不要匆忙》专辑由红星发行，至此，中国早期摇滚乐人已经全部有专辑作品面世，（其中大部分都是由外资推出的）算是宣告了一个时代的落幕，但恐怕当时很少有人会想到，这同时也宣布了摇滚高潮的终结。
　　公平的说，外资的经营状况并不是中国摇滚乐陷入窘境的主要因素，相反倒是不争气的摇滚本身拖了外资的后腿。摇滚衰落的原因相当复杂，其中有中国根本的音像管理制度与政策上的问题、有整个内地音像市场不景气的因素、有猖獗的盗版问题影响、有市场过热后的反作用力、有受众群心态的改变、也有不可抗拒的自然力量如张炬的遇难等……但不管怎么说，中国摇滚乐过快发展而造成的日益良莠不齐、青黄不接、素质跟不上等问题也是非常重要的原因。外资的误区则主要在于音乐风格的开发方向上，过于乐观的估计摇滚乐的发展速度，过早的投入大量人力物力扶植在当时根本不具备市场基础的中国另类摇滚，客观上也促使乐手们日渐浮躁、赶时髦成风，从而直接造成摇滚听众的大量减少。
　　97年摇滚圈的一切几乎都是不景气的，挂羊头卖狗肉的劣质\\\"摇滚\\\"拼盘满天飞，乐队的分崩离析一桩接一桩，各唱片公司的产量锐减，质量更大不如前。更糟的是随着摇滚神话的一个个破灭，摇滚乐在人们的眼里不再纯洁神圣，把它当作高尚理想的人越来越少，只想拿它来赚钱的人越来越多。
　　这一阶段JVC、红星、魔岩等外资对中国摇滚的运作大多很不成功，许多花大力气做出来的唱片要么在市场上赔得一塌糊涂，要么就被媒体贬得一钱不值。其中被骂得最惨的几张，包括北京摇滚圈纪念邓丽君的专辑、黑豹《无是无非》、超载、周韧、天堂《幸福的花儿》，在当时引发了唱片公司、乐队与乐评之间的一连串公案。诸多的媒体和歌迷对摇滚乐变得不再有任何期待心理，对窦唯、张楚等顶尖摇滚艺人的新作都越来越没有反应，连千呼万唤始出来的《中国火2》发片演出都引来一片冷漠和讪笑。
　　也有成功者，如郑钧在宝丽金推出的新专辑《第三之眼》风靡一时，销量巨大；又如许巍在红星旗下推出的《在别处》获得乐评一致盛赞。但97年最成功的乐队，却是打着摇滚旗号大唱流行歌的零点乐队，还是北京自己制作的，这对低迷的市场来说既是一个讯号，也是一个讽刺。
　　97年是一劫，能撑过来的外资唱片公司就算劫后余生了，但它们在北京的实力和影响力都已经大不如前。这种情况使各外资都学聪明了许多，他们开始真正摸清了内地市场的秘密，纷纷缩减规模、重新布置战略，开始进入稳扎稳打的阶段。有的如BMG，在全面权衡得失下干脆彻底转向流行市场；也有的像魔岩，最终放弃了周韧、铁风筝等没有商业价值的艺人--这在很多人看来标志着摇滚理想主义的终结。但所有的外资公司对摇滚乐都不再偏爱，在签新人的问题上审慎之极甚至干脆不签，连铁杆摇滚阵地红星音乐生产社都在以令人惊讶的速度向纯流行乐转换。
以往外资公司制作的内地摇滚乐作品，大多也会拿到海外同步发行，但说实话，发行效果往往是意义大于效益。97年之后好像再没有大公司愿意干这种吃力不讨好的事了，正东解除了与红星的海外代理发行关系，滚石也停掉了大部分中国火产品在台湾的出版。相反港台的许多独立小公司却开始填补这一块市场，它们仿照在内地方兴未艾的自费歌手例子，借助Lo-Fi风潮的名声，以低成本、低品质的方式小批量的推出内地摇滚CD，再通过半地下的渠道在两岸三地销售，只要计算得当，虽不能赚大钱，但小有盈余是没有问题的。这使一大批地下乐手有了出唱片的机会，像张亚东、苍蝇、晨辉、盘古、王磊、陈底里……他们大多（并不是全部）粗糙原始、可听性差，与当年那些真正\\\"浮出海面\\\"的乐队在大公司支持下精良的大制作是没法比的，但胜在出片方式及时、简洁，提供了快速的成名途径，在地下音乐圈的年轻人中得到了一致的共鸣。
　　就这样，赶上了天时--市场对这类音乐的空缺、地利--北京等地同等水平的地下乐队数量惊人、人和--新一代消费群体的崛起带来了较极端的个性化审美观和对摇滚老字辈的普遍逆反，中国摇滚的Brit-Pop--Punk热潮在98、99年突然爆发，一时之间从前的摇滚格局被彻底颠覆了，无数操着粗暴音乐的生猛小子蹦到了前台，他们大多年龄非常小，技术水平也并不高，但敢想敢干，渴望一夕成名，因此那种低传真的出片方式成了他们一致拥护的口号。虽然他们的音乐远未成熟，但唱出了当前这重在发泄的一代的心声，使得中国的摇滚狂热又一次被唤醒了。
评价这次高潮还为时过早，但值得肯定的是它对丰富、更新中国摇滚血液有着非常积极的作用，也使中国摇滚的新陈代谢速度空前加快--现在的北京几乎一个月就能冒出一批名字怪异的新乐队，不用太过练习就敢上台演出--而这正是真正成熟的摇滚市场所必需的。

[ 本帖最后由 xin0123 于 2007-2-8 10:53 AM 编辑 ]

作者: xin0123 时间: 2007-2-8 10:49

写在最后
我是一个能坐决不站着，能躺决不坐着，不想复出太多就想得到更多的人。看了这么多帖子发现关于乐理方面在这个板块是个空白所以希望能填补下，嘻嘻，如果本版有需要，或是大家喜欢我会继续发其他的知识普及贴，没人喜欢就让它“石沉大海”吧

[ 本帖最后由 xin0123 于 2007-2-8 10:59 AM 编辑 ]

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